Hay muchas razones para recuperar Kill Bill y probablemente todas culpables. De principio a fin, la obra maestra del siempre polémico, siempre irrelevante, siempre genial y siempre muy canosino Quentin Tarantino (obra maestra a la que siguieron dos obras maestras de la talla de Pulp Fiction y Jackie Brown) fue concebida como una película al margen de casi todo, de sí misma incluso. Su vocación de pastiche, de remezcla, de celebración de la nostalgia cinéfila más mostrenca, la convirtió en una especie de objeto de culto cuyo argumento se componía de mil referencias en sí mismas de culto. Culto sobre el culto, el cine reaparecía como una experiencia contradictoria tan pagana como mística. Entre el onanismo desprejuiciado y el más simple y pedestre de los placeres no confesionales, se trataba de elevar al friki (antes de que el friki se convirtiera él mismo en la mercancía wallapop) al rango de categoría. Seguir leyendo
Unas cuantas evoluciones poco destacables y la incuestionable certeza de una inmensa actriz en su más sangriento estado de gracia se revelan con el estreno de la versión íntegra en 70 mm de la obra maestra retro posmoderna.
Hay muchas razones para recuperar Kill Bill y probablemente todas culpables. De principio a fin, la obra maestra del siempre polémico, siempre irrelevante, siempre genial y siempre muy canosino Quentin Tarantino (obra maestra a la que siguieron dos obras maestras de la talla de Pulp Fiction y Jackie Brown) fue concebida como una película al margen de casi todo, de sí misma incluso. Su vocación de pastiche, de remezcla, de celebración de la nostalgia cinéfila más mostrenca, la convirtió en una especie de objeto de culto cuyo argumento se componía de mil referencias en sí mismas de culto. Culto sobre el culto, el cine reaparecía como una experiencia contradictoria tan pagana como mística. Entre el onanismo desprejuiciado y el más simple y pedestre de los placeres no confesionales, se trataba de elevar al friki (antes de que el friki se convirtiera él mismo en la mercancía wallapop) al rango de categoría. Gianni Vattimo, por ejemplo, habló de pensamiento débil (pensiero debole) para designar una filosofía que abandona la fundamentación metafísica fuerte y abjura del concepto de historia (o de Historia) como progreso unitario y lineal. No se trata tanto de rendirse al relativismo fofo del todo, sino de admitir el reto de aceptar la multiplicidad, lo cambiante, lo trans y lo diferente como fuente de sentido. En rigor, y sin forzar la metáfora más de lo justo, Kill Bill como proyecto se hace fuerte en ese mismo ideario debole del cine entendido no desde la inviolabilidad y seriedad del canon como desde la diversidad lúdica de todas sus formas, más que la mera, violenta, machista y de explotación (todas culpables) donde lo que cuenta no es tanto la docta opinión del crítico (hombre blanco heterosexual) como el acto de reignificación y reapropiación (lo que antes era misógino, ahora es malditamente feminista) para el emancipador y algo terrorista disfrute del espectador libre y gratuito. Todo lo anterior, en su feliz confusión, quedó claro en el primer y segundo volúmenes lanzados por cuestiones estrictamente comerciales con seis meses de diferencia (330 millones de dólares recaudados en todo el mundo son prueba de la conveniencia de la decisión) en 2003 y 2004. Pero en la mente de su creador, la película de más de cuatro horas era eso, una película única sin fracturas. O, mejor, todo tenía que ser una fractura, una fractura con el pasado, con la historia y con ella, de nuevo, el pensamiento único. Su duración era arte y parte del ideario. La película funciona, por así decirlo, como ese rito sufí empeñado en romper el mismo tiempo mediante una especie de meditación dinámica que busca la unión con Dios mediante el giro constante. El argumento ni siquiera es tal. Jill Bill no es más que cinco peleas entrelazadas por historias diferentes y perturbadoras. El origen de O-Ren (Lucy Liu) en formato anime, la larga escena de nuestra heroína La Novia (o Beatrix Kiddo o Mamba Negra o Mami o Arlene Machiavelli) con el fabricante de espadas, Elle Driver (Daryl Hannah) que lee datos sobre serpientes venenosas copiados de una página web, el monólogo final de Bill reflexionando sobre Superman. . . Todo son rupturas, una detrás de otra, en una alocada sesión cinematográfica, musical y de DJ memorialisitca. Por eso es tan agradable y oportuno querer Kill Bill: The Whole Blood Affair, que es básicamente Kill Bill Volumen 1 y Kill Bill Volumen 2 juntos, pero sin esa fractura en medio que contradice todas las infinitas fracturas originales. Hay, por supuesto, una pausa de 15 minutos para visitar el selecto ambigoo o mear. ¿Y qué hay de nuevo? Respuesta rápida: nada. Si quieres detalles, es otra cosa. De hecho, ya en 2006, Tarantino unió las dos partes y procedió a su proyección tanto en Cannes como en los cines de su propiedad en una versión de 270 minutos de la historia de venganza de una ex asesina embarazada víctima de un brutal ataque la víspera de su boda por parte de su antiguo jefe y amante (Bill) y sus cuatro letales colegas (recuerden la serie de ficción Fox Force Five). Lo que hizo en aquella ocasión fue restar en lugar de añadir. Y eso es lo que ocurre ahora mismo. Lo más relevante, y que afecta al propio sentido de la narración, sucede al final de la primera parte. O mejor, no sucede. Se suprime el diálogo de Bill (David Carradine) en el que revela que la hija de La Novia sigue viva. Tanto en la versión original como en The Whole Blood Affair, el personaje de Thurman toma conciencia de la existencia de su revuelta al final. Ahora el público (o el nuevo público si existe) se enterará de la buena nueva junto al protagonista. También se suprime la instandución a modo de resumen en blanco y negro con la que se retomó el Volumen 2. Aunque, en realidad, nos gustaba, no es necesario. Pero no todo es quitar. El mencionado capítulo animado incluye una secuencia de acción adicional en la que un joven O-Ren lucha contra otro. Además, la singular escena de la Casa de las Hojas Azules (The House of Blue Leaves) y el Loco 88 recupera el color original. En todo el mundo, pero en Japón, se convirtió en blanco y negro para frenar el efecto de la sangre y escapar de la clasificación para adultos NC-17. Una ocasión más para recrearse en la fotografía encendida, dura e hiperrealista de Robert Richardson. Uma Thurman en Kill Bill: The Whole Blood Affair. . Además, sorprende que no se insertara la escena adicional que incluía el DVD en la que Bill era un maestro. Y es aún más sorprendente que la nueva versión de la película de animación contará con otra escena animada en la que Yuki, la hermana gemela de la colegiala Gogo, busca su particular retribución contra, por supuesto, La Bride tras la finalización de los créditos. Venganza por venganza. Esta secuencia, como Tarantino confesó en su momento, apareció exclusivamente en el primer borrador del guión. La sorpresa viene de la mano de que El capítulo perdido: La venganza de Yuki, así llamada, fue creada el año pasado para el videojuego Fornite. Tarantino y Thurman utilizaron tecnología de captura de movimiento y durante ocho cuestionables minutos se quedan sin poder ver a algunos personajes del videojuego. Por otro lado, es justo reconocerlo, la ocurrencia o hallazgo, según se mire, añade una ruptura más al catálogo de rupturas infinitas que es Kill Bill. Y dejando todo eso a un lado, postmodernidades, variaciones y fragmentos aparte, Uma Thurman es lo que queda y no plantea ninguna duda. Uso Thurman en la mejor interpretación de su carrera y muchos otros. Uma Thurman como un animal herido capaz de las más brillantes escenas de acción que ha dado el cine sin renunciar a convertir el odio, la amargura y el dolor en la materia misma que conforman las peores pesadillas. Uma Thurman disparada. Recuerden: la firma Q & amp, U (Quentin y Uma) aparece en los créditos como autores e ideadores de todo esto. Hay muchas razones para recuperar Kill Bill y sólo Uma Thurman es la verdadera. No es Tarantino, es Uma Thurman.
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