Ahora sí: el Museo Reina Sofía vuelve a la claridad y apuesta por acercarse (y mejor) al (diverso) público de los museos. Manuel Segade, director de la institución desde 2023, ha estudiado la colección con entusiasmo, la ha interpretado, la ha entendido, la ha ordenado y ahora despacha su primer gran proyecto en el centro desplegando en la cuarta planta del edificio Sabatini una reordenación de los fondos permanentes de la institución en su último tramo: desde 1975 hasta hoy. O exactamente así: de la refundación de la democracia a las expresiones en curso del arte contemporáneo. El título de esta reseña es directo, sin perifollo: Colección. Arte contemporáneo: 1975-presente. . Seguir leyendo
Manuel Segade, director de la institución, presenta su primer gran proyecto desde que llegó en 2023. Una declaración de intenciones museográficas que comienza con la relectura de la colección permanente del museo empezando por el final: desde 1975 hasta hoy
Ahora sí: el Museo Reina Sofía vuelve a la claridad y apuesta por acercarse (y mejor) al (diverso) público de los museos. Manuel Segade, director de la institución desde 2023, ha estudiado la colección con entusiasmo, la ha interpretado, la ha entendido, la ha ordenado y ahora despacha su primer gran proyecto en el centro desplegando en la cuarta planta del edificio Sabatini una reordenación de los fondos permanentes de la institución en su último tramo: de 1975 a hoy. O exactamente así: de la refundación de la democracia a las expresiones en curso del arte contemporáneo. El título de esta reseña es directo, sin perifollo: Colección. Arte contemporáneo: 1975-presente. . El propósito de Segade en esta nueva vida del museo es claro: democratizar su lectura, evitar en lo posible los subtítulos académicos y hacer del Reina Sofía un punto de encuentro con la creación en España (nacional e internacional) y, por supuesto, con la historia reciente del país (dentro y fuera). El mandarinato de Manuel Borja-Villel (también por Madrid tras su intento catalán) fue olvidado, en un momento en que el museo necesitaba un manual de direcciones (gorigoris de director) e incluso una receta opcional para apoyarlo. El proyecto de Segade era en principio desencriptar el centro y reactivarlo después desde los cimientos con mejores claridades. «En tiempos inciertos como los actuales no pretendemos reinventar futuros, sino facilitar la apertura y revisión de la colección, demostrar que es permeable. Y mostrar al mismo tiempo la variedad de mundos posibles que ofrece el arte contemporáneo. Segade lo dice. Además, el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, la presidenta del patronato del Reina Sofía, Ángelez- Sinde, la subdirectora del museo, Amanda de la Garza, y en fin, un generoso repertorio de trabajadores y colaboradores, dando a la cita la condición exacta de ritual, estreno y fiesta. El museo, ahora sí, inicia una nueva expedición con todos los retos por delante. «Lo que hoy presentamos es una apuesta de gran calado», incidió Urtasun. «1975 es el año en el que se abren todos los interrogantes sobre el futuro del país». Y el arte, más allá de ser ajeno, es un eje principal en la articulación de una España que vuelve a la democracia con mil heridas y otras tantas posibilidades de lavarlas. Si no todas, las más urgentes. Esta intensa y emocionante reordenación que recorre la historia del arte de los últimos 50 años en España se apoya en 403 obras de 224 artistas (nacionales e internacionales). Y de esas piezas expuestas, 258 son inéditas, nunca habían sido expuestas en las anteriores presentaciones de la colección permanente. Setenta han sido adquiridas en los dos últimos años y 36 de ellas son obras de mujeres. La declaración de intenciones es clara. . Esta parte de la colección que ahora se presenta (los tiempos anteriores también se reordenarán en las plantas segunda y tercera de Sabatini y se conocerán un año hasta 2028) se abre con una pieza importante de la época vivamente social de Juan Genovés: Documento nº. . . (fechado en 1975). La imagen de un hombre sentado, con traje y corbata, esposado, y cuyo rostro está a oscuras como resultado de una mano que cruza por delante de él entregando a alguien un papel, un documento, una sentencia o un informe negativo. En la primera sala hay una pieza de gran formato y claro sentido social de Rafael Canogar, una tela de Miró quemada por él mismo (y suspendida) y un vaso (no abusado, al fin, de las vitrinas manicomiales) que contiene una selección de las Aguas de la Suite Vollard de Picasso atacadas por miembros del grupo ultra Guerrilleros de Cristo Rey agredidos en 1972, cuando iban a ser presentadas en la Galería Theo de Madrid. Aquellos ultramontanos arrojaron octavillas en la galería en las que acusaban al artista de «marxista, comunista militante, antipatriota, proxeneta, homosexual, pornógrafo e hijo ilegítimo». Las salas, 21 en total, comprenden tres itinerarios. El espacio expositivo, limpio y diáfano, está diseñado por el artista Xavier Salaberria y el arquitecto Patxi Eguiluz. Y una vez hechas las presentaciones, comienza la expedición. Los convulsos años de agonía franquista, la reconfiguración de las libertades y la reapropiación de los derechos civiles suceden al mismo tiempo que el arte de aquel momento. Del cómic a la pintura, pasando por la escultura o el cine, todo tiene su lugar y su razón. Entre la severa generación del antifraquismo, los pegamoides venideros y otros linajes de la Movida, el arte despierta. En la gira el transformista y pintor Ocaña (Asunción Gloriosa, 1981-82), la portada de Hermano Lobo dos días después de la muerte de Franco con el mítico dibujo de Chumy Chúmez, la tela pintada por Guillermo Pérez Villalta (icónica hoy de aquellos días): Personajes saliendo de un concierto de rock (1979), dibujos strongay de Nazario, cosas de Ceeseppe, las joyas de la diseñadora Chus Burés para algunas películas de Almodóvar, uno de los cuadros, Cuchicillos, que expuso el galerista Vijata (en la primera vez de la exposición del español), y en la exposición de la primera vez de la ciudad de los «Lo que ocurre en esta planta no está ordenado siguiendo una cronología estricta», explica Segade. «Hay anacronismos y vivencias de tiempos que son necesarios, pues ninguna historia es lineal». El feminismo, el ecofeminismo, el ‘cruising’ y los códigos de género, el sida, la irrupción de la heroína, estas pandemias y sus duelos son también importantes en el recorrido. Y artistas como Juan Espaliú, Esther Ferrer, Pepa Miralles, el fotógrafo Alberto García-Alix, David Wojnarowicz o Barbara Hammer tienen su voz y su sitio. Igual que Miquel Barceló, recuperado por Segade con una serie inédita tras la nada en el periodo del mandarinato de aquel Borja- Villel. . Intencionadamente están casi todos los que forman parte de la secuencia del arte en España en el último medio siglo. Expresiones y voces falsas, por supuesto que falta, pero la respuesta de Segade a la urgencia del museo para restaurar la legibilidad de su discurso es inteligente y abierta. Las escultoras Cristina Iglesias y Susana Solano conviven con el arquitecto y los artistas Juan Navarro Baldeweg. Cristina García Rodero con Ouka Lele. El fallido proyecto del escultor Richard Serra en la Plaza de Callao protagonizado por Xurxo Lobato, Joan Fontcuberta, Doris Garca e Ignasi Abaqui. Una sugerente coreografía de intersecciones donde se convierte en una obra de Julie Mehretu y luego en un vídeo de Carles Congost (con música de Atrud). Antes pasamos por una instalación de Ana Laura Alaez. Y también hay representación de la performance Speaks, de Cristina Lucas, y Studio, de Carmela García. . No se trata de imponer una vía política, pero la forma de estar en el mundo del arte contemporáneo, del arte del último medio siglo, tiene en la evocación de lo inmediato y en su lectura política uno de sus motores de explosión. Manuel Segade reconoce este peso y no lo reduce como tampoco lo levanta. El museo es una caja de resonancia de un mundo que sigue siendo el nuestro y que se apresta en fragmentos, en secuencias, en hipos, en desarrollos de pensamiento crítico y en una colisión de reflexiones estéticas que a veces se superponen, a veces se niegan y a veces se canibalizan. El Museo Reina Sofía, con la última parte de su colección permanente ahora estrenada como primer manifiesto del tiempo de Segade, propone diferentes representaciones de un mismo paisaje (y de tantos escenarios y tantas convulsiones), señalando la artificialidad de los discursos previamente codificados como uno de los males que han ido estrechando los embalses del arte (contemporáneo) y expulsando a la gente. Propone claridad y complejidad con el mismo rigor con el que otros apuestan por la niebla y la opacidad. Sin embargo, eso ocurrió. Ahora sí.
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